How Mike Henderson’s Lengthy-Misplaced Works Had been Rediscovered – ARTnews.com

Foto Robert Divers Herrick/mit freundlicher Genehmigung des Künstlers und der Haines Gallery

1985 brannte das Studio von Mike Henderson. Alle Gemälde, die er in den 1960er und 1970er Jahren gemacht hat und in die Henderson die Angst und Angst der Ära gegossen hat, wurden zerstört – so schien es zumindest.

Gerüchte über die Existenz der Gemälde erreichten Dan Nadel, Kurator am Jan Shrem and Maria Manetti Shrem Museum of Art an der University of California, Davis, im Jahr 2018. Er führte ein langes Gespräch mit dem Maler William T. Wiley Lehrer an der UC Davis neben Henderson, als Wiley darauf bestand, dass Nadel Henderson einen Besuch abstattete. Wiley sprach von einer Reihe figurativer Arbeiten, die Henderson als Student gemacht hatte. Leider, sagte Wiley, seien diese Werke bei einem Brand zerstört worden.

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Während des Atelierbesuchs bei Henderson erwähnte Nadel diese frühen verlorenen Werke. Dann fragte Henderson zu seiner Überraschung Nadel, ob er sie sehen wolle.

Gemeinsam öffneten Henderson und Nadel einen Schiffscontainer, den Henderson seit Jahren nicht mehr angerührt hatte. Eine nach der anderen wurden die gerollten Leinwände herausgenommen und entfaltet. Alle wurden durch eine Mischung aus Schmutz, Schimmel und Asche schwer beschädigt. Diese Werke wurden anschließend bereinigt und sind nun zum ersten Mal seit Jahrzehnten bis zum 25. Juni in einer Einzelausstellung im Manetti Shrem Museum der Öffentlichkeit zu sehen.

„Ich fühle mich sehr gesegnet, dass sie aus mir herausgekommen sind“, sagte Henderson kürzlich bei einem Videoanruf. „Am ehesten kann ich es beschreiben: Ihre Kinder werden erwachsen, finden ihren Weg in der Welt und kommen mit ihrer eigenen Philosophie, ihrer eigenen Sichtweise auf die Welt zu Ihnen zurück.“

Sampada Aranke, die mit Nadel an der Show von Manetti Shrem arbeitete, sagte: „Sie waren absolut atemberaubend. Sie demonstrierten einen völlig anderen Stil, ganz anders als die Leinwände, die wir seit den 80ern von Mike gesehen hatten. Sie begannen wirklich, eine radikal andere Geschichte rund um kalifornische Kunst und schwarze amerikanische Kunst zu erzählen.“

Schwarz ist schön

Anfangs hatten Nadel und Henderson einige Probleme damit, abzuwägen, was beabsichtigt war und was Feuerschaden war. Zu der Zeit, als Henderson diese frühen Arbeiten machte, experimentierte er damit, Leinwände in den Ofen zu stellen. Diese ungewöhnliche Form der Markierung sprach sowohl für die Gewalt, mit der er zu kämpfen hatte, als auch für das erzeugte Farbfeuer – Schwarz wie in „Schwarz ist schön“.

Seltsamerweise hatte das Feuer, das Hendersons Studio verwüstete, nichts mit dieser einzigartigen Technik zu tun. Henderson war zu diesem Zeitpunkt Tausende von Meilen entfernt. Diese Feuerexperimente sind zu einem unheimlichen historischen Echo geworden, dem kosmischen Beginn einer schicksalhaften Tragödie.

Auf diesen Leinwänden, die Nadel und Henderson retten konnten, waren Szenen von Protesten abgebildet, die in den 60er Jahren im ganzen Land stattfanden. Diese Zeit der Unruhe, die oft als eine Zeit bezeichnet wird, in der Kalifornien in Flammen stand, löste eine Fülle von Arbeiten eines jungen Henderson aus, der zu dieser Zeit an der Kunstschule des San Francisco Institute of Art war.

„Ich war 25 oder 26, als ich diese Bilder gemacht habe. Ich hatte damals Knoten im Magen“, sagte der 79-jährige Henderson. „Ich wollte darüber sprechen, was ich fühlte und was andere Menschen, die keine Künstler waren, empfanden, wie zum Orakel, zum Arzt oder so etwas zu gehen. Der Arzt versucht, jeder Person bei dem zu helfen, womit sie es zu tun hat, und ich fühlte, dass dies meine Aufgabe als Künstler war.“

Mike Henderson, Gewaltlosigkeit, 1967.

Als Henderson an Demonstrationen teilnahm, reflektierte er die Szenen historischer Gewalt, die er durch das Studium von Gemälden von Künstlern wie Goya kennengelernt hatte. Die Gewalt, die er sah, war Henderson als Schwarzer, der in den 1940er und 1950er Jahren in Marshall, Missouri, arm aufgewachsen war, bestens vertraut.

„Ich war bei dieser Demonstration und Polizisten schlugen diese weißen Kinder zusammen, weil sie lange Haare hatten. Sie waren Hippies, [the cops looked at them like they] waren gemein und dreckig, wie sie Schwarze ansahen“, sagte Henderson. „Sie sehen das, und Sie sehen, was mit den amerikanischen Ureinwohnern passiert ist [and] in Auschwitz. Du könntest das Geschlecht oder die Farbe ändern, aber es ist dasselbe.“ Diese historischen Querverweise sind in einem Gemälde wie Non-Violence (1967) zu sehen, in dem Henderson einen Polizisten darstellt, der ein Hakenkreuz an seiner Armbinde trägt und ein blutiges Messer gegen zwei Schwarze führt.

Als sich die 70er Jahre näherten, begann Henderson das Filmemachen als sein primäres Medium, ausgelöst durch einen Unfall, den er hatte.

Henderson erinnerte sich, dass er, als er das San Francisco Art Institute besuchte, die Malerin Christina Schlesinger sah, „ein Wildfang, der mit den Jungs herumraste. Sie hatte keine Gemälde, die sie im Unterricht zeigen konnte, aber sie hatte einen Film, den sie von einer Köchin ihrer Familie, einer schwarzen Frau, gemacht hatte. Es war das erste Mal, dass ich eine schwarze Frau gesehen habe, die keine Tante Jemima-Figur spielte“, sagte Henderson. „Und am nächsten Tag wurde ich von einem Bus angefahren.“

Einer der Treuhänder der SFAI mischte sich ein, und am nächsten Tag hatte Henderson 2.000 Dollar in der Tasche. Als erstes kaufte er sich einen Gitarrenverstärker. Als nächstes kaufte er eine Kamera.

Die nächsten Jahre für Henderson waren von seinem Filmemachen und Musikmachen geprägt, und er ließ die Malerei eine Zeit lang hinter sich.

„Was wäre, wenn ich im Feuer gewesen wäre?“

Dann, eines Tages, Jahre später, war er auf Tournee in Europa, als er einen Anruf erhielt, der ihn über das Feuer informierte. Es war ein Wendepunkt in Hendersons Leben. „Ich habe die ganze Zeit darüber nachgedacht, was wäre, wenn ich im Feuer gewesen wäre und auch verschwunden wäre?“ sagte Henderson.

Henderson hatte die Möglichkeit, in Europa zu bleiben, und überlegte, ob er in die Staaten zurückkehren und wieder mit dem Malen beginnen sollte. Am Ende beschloss er, es noch einmal mit dem Malen zu versuchen. Er weigerte sich, „ausgebrannt“ zu sein, sagte Henderson.

Als Henderson in die USA zurückkehrte, begann er gründlich darüber nachzudenken, was er von seinem Leben wollte. Er fing an, sich seine Kollegen an der UC Davis genau anzusehen, wie Wayne Thiebaud, der es schaffte, sowohl eine Karriere als auch eine Familie zu haben. Henderson wurde klar, dass er das auch wollte.

„Das Kunstschaffen war mein Leben und ich dachte, ich könnte nicht heiraten, weil das eine weitere Beziehung wäre, an die ich mich gewöhnen müsste“, sagte Henderson. „Damit wollte ich mich nicht beschäftigen, bis ich meinen Eltern, meinen Brüdern, geholfen habe, ihnen ein Haus mit Inneninstallationen zu besorgen.“

Henderson befürchtete auch, ein Kind durch die Armut zu bringen, mit der er aufgewachsen war.

„Es ist zu brutal, wenn man als Kind zusieht, wie andere Dinge haben, die man will, wie Schuhe ohne Löcher“, sagte Henderson. „Aber irgendwann zeigt der Finger auf dich zurück, die Uhr tickt. Ich beschloss, den ganzen Müll um mich herum zu beseitigen, damit ich jemanden finden konnte, wenn da jemand war.“

Henderson wandte sich wieder der Malerei zu und arbeitete in einem neuen, abstrakten Stil. Unterwegs lernte er seine Frau Susan Deming kennen. Sie hatten einen gemeinsamen Sohn.

Ein Standbild aus Mike Hendersons Film Pitchfork and the Devil (1979).

Ein Lehrmittel

Hendersons Ausstellung im Manetti Shrem Museum ist jedoch mehr als nur eine Einzelausstellung – sie soll auch ein Lehrmittel sein. Studenten aller Fakultäten der UC Davis können gegen Bezahlung als Teil des Besucherdienstteams des Museums arbeiten, und für das gesamte Herbstsemester haben sich Studienberater und studentische Mitarbeiter des Besucherdienstes neben Kuratoren und Professoren auf die Ausstellung vorbereitet.

„Es ist eine große Herausforderung, hier zu Hause in Kalifornien eine Ausstellung über Rassismus zu präsentieren. Und es ist noch schwieriger, dies in einem Universitätskunstmuseum zu präsentieren, wo ein großer Teil unseres Publikums unter 21 Jahre alt sein wird“, sagte Museumsdirektorin Rachel Teagle. „Sie kennen diese Geschichte nicht unbedingt. Es ist auch ein schwieriger Moment, Zeuge von Gewalt gegen Schwarze zu werden. Wir haben viele schwierige, aber wichtige Gespräche mit Lehrkräften, Studenten und unserer Community darüber geführt, warum und wie wir diese Bilder präsentieren würden.“

Zu diesem Zweck haben Museumsmitarbeiter und Studenten vorbereitet, wie man das Publikum am besten auf Hendersons Kunst vorbereitet. Sie entschieden sich, auf Triggerwarnungen zu verzichten, von denen das Museumsteam dachte, dass sie die Besucher zu einer gewissen Voreingenommenheit führen könnten.

Maev Dunning, ein 21-jähriger Designstudent, sagte: „Es gibt einen schmalen Grat zwischen der Vorbereitung der Besucher und der Möglichkeit, sie eine fundierte Entscheidung darüber treffen zu lassen, welche Art von Inhalt sie sehen möchten, aber auch sicherzustellen, dass die Erfahrung nicht nur ein Erlebnis ist für sie gemalt, bevor sie es selbst erleben können.“

Zu den Informationen, die den Besuchern gegeben werden, gehören Broschüren und ein Lehrvideo. Kommentarkarten wurden verteilt, damit die Besucher ihre Meinung äußern konnten, wenn es etwas gab, das möglicherweise angepasst werden musste. Es gibt auch einen Teil der Ausstellung namens „Cosmic Strut“, in dem Hendersons Bluesmusik leise spielt. Es ist ein Ort, an dem sich die Besucher entspannen und über die Ausstellung nachdenken können.

Studenten, die an der Show beteiligt waren, sagten, sie seien in der Lage gewesen, ihren Kommilitonen eine andere Erfahrung zu bieten, als sie normalerweise in Museen gemacht wird. Kate McConn, eine 19-jährige Anthropologiestudentin und Studentin, erinnerte sich, dass sie eine Freundin aus Texas eingeladen hatte, wo „die Ausbildung dort in Kunst und Rasse völlig anders ist“, sagte McConn. „Er ist super liberal, aber er war dieser Geschichte und Art von Kunst einfach nicht wirklich ausgesetzt, bis er nach Davis kam. Ihm diese Stücke zu zeigen, hat ihn also schockiert.“

McConn konnte sich darüber unterhalten, wie sich ihre Schulbildung auf ihr Wissen über Kunst, Rasse und Geschichte auswirkte. Auch für McConn, die in Kalifornien aufgewachsen ist, hat die Teilnahme an diesem Programm die Augen für zwei Dinge geöffnet: die Tugenden der zeitgenössischen Kunst und die Geschichte des Protests in ihrem Heimatstaat.

„Ich dachte, ich mag zeitgenössische Kunst nicht. Das wird gemein klingen, aber ich fand es langweilig“, sagte McConn. „Aber Professor Henderson darüber sprechen zu hören, wie er fühlte, wie diese Stücke aus ihm herauskamen, war wirklich cool und inspirierend. Es hat mir auch bewusst gemacht, dass ich nicht genug weiß, um ein guter Verbündeter der BLM-Bewegung zu sein. Als ich es in der Kunst sah, wurde mir klar, dass es nicht nur die Nachrichten sind, es ist nicht nur jetzt, hier, es ist überall.“

Platz schaffen

Als langjähriger Lehrer hatte Henderson immer das Gefühl, dass das Beste, was er für seine Schüler tun konnte, darin bestand, ihnen Raum zu geben. Er verglich seine Arbeit eher mit „Coaching“ als mit Lehren. Aber die Studenten sagten, dass es am wirkungsvollsten sei, in der Gegenwart eines wirklich leidenschaftlichen und künstlerischen Geistes zu sein. Er scheint den Einfluss, den er auf sie hatte, nicht ganz zu begreifen.

„Ich sehe, wie sie mich anlächeln, sie fragen mich, ob ich in den 60ern Angst hatte, ob Noten wichtig sind“, sagte Henderson. „Ich sage ihnen nur, dass sie keine Angst haben sollen, Fehler zu machen. Niemand hat mich je darum gebeten, mein Zeugnis voller Ds zu sehen.“

Henderson ist immer noch verwirrt darüber, wie er zu diesem Moment gekommen ist. Um es zu verstehen, orientierte er sich an der Arbeit von Joseph Campbell, der über die gemeinsamen Erzählungen geschrieben hatte, die in verschiedenen Volksmärchentraditionen existieren.

„Ich begann zu erkennen, dass das Leben so ist, genauso [Campbell] beschrieben – eine Ulysses-Reise“, sagte Henderson. „Wie es für mich begann: Ich habe diesem Typen in Missouri die Schuhe geputzt und er sagt mir, ich solle eine Show über van Gogh sehen, er gibt mir eine Eintrittskarte.“

Henderson ging zur Show und sah, dass ein Dozent eine Gruppe herumführte. Henderson war sich nicht sicher, ob er mitmachen durfte oder nicht, und hielt sich an den Rändern fest, aber je mehr der Dozent sprach, desto näher kam er an die Spitze der Gruppe. Er hatte einen Moment der Erleuchtung.

„Plötzlich verstand ich die Erdtöne, die er verwendete, und die Schuhe und die Gabeln, die sie hatten, das schwache Licht, das über dem Tisch hing, die Frauen auf den Feldern mit diesen durchgebogenen Rücken“, sagte Henderson. „Als nächstes gehe ich zur Schule und male eine Figur, und ich denke, ich breche besser die Regeln, also das [these figures] kann mein Volk werden.“

Das Gemälde, das vielleicht Hendersons lange Odyssee darstellt, ist ein Stück namens Love it or Leave it, I Will Love it if You Leave it (1976). Es ist eine große amerikanische Flagge, über die Graffiti-ähnliche Markierungen gekritzelt sind, die ihr eine Tiefe von Schichten verleihen. Eine Hand taucht auf, ein menschliches Profil, ein paar Worte wie „Ehe“, „Narren“ und „Paradies“, sogar ein bisschen Collage, ein aufgeklebtes Bild der Freiheitsstatue. Es ist ein chaotischer Wandteppich, dessen unterer Rand vom Feuer vernarbt und zerfetzt ist. Es war das einzige Gemälde im verlorenen Cache, das auf Wunsch der Kuratoren nicht restauriert wurde. Es ist unbelastet, verwittert durch die Geschichte und einen Mangel an Ressourcen. Es hängt in der Show als starke Manifestation von Hendersons Odyssee, ein wenig angeschlagen, aber geliebt, so wie es ist.