„Du brauchst Inspiration, um gute neue Musik zu machen, und wenn du sie nicht hast, mach dir keine Sorgen. Runter vom Laufband, um Himmels willen“, sagt Billy Joel.

(Myrna Suarez)

Billy Joel sagt, wenn er es noch einmal machen müsste, würde er „mindestens 25 %“ seiner Songs rückgängig machen.

„Ich habe einige echte Stinker geschrieben, die ich gerne zurücknehmen könnte“, sagt er, beginnend mit „When in Rome“ (aus „Storm Front“ von 1989) und „C’était Toi“ (aus „Glass Houses“ von 1980). „Ich spreche nicht einmal Französisch“, sagt er über Letzteres, „also weiß ich nicht, was ich tat. Manchmal bekam ich sechs oder sieben Songs, die ich verdammt gut fand, dann gab es am Ende ein paar Squeeze-Outs, nur um das Album zu füllen.

„Mir ist jetzt klar, dass ich das nicht hätte tun sollen.“

Zum Glück für Joel hat das Qualitätsmaterial mehr als genug Hits geliefert, um seine Karriere als einer der besten Tour-Acts der Musik in den drei Jahrzehnten seit der Veröffentlichung seines letzten Pop-Albums „River of Dreams“ im Jahr 1993 voranzutreiben. Dieses Jahr – zwischen den Shows im New Yorker Madison Square Garden, wo er seit 2014 eine monatliche Residenz abhält – Joel, 73, spielt Stadien mit Stevie Nicks, eine unwahrscheinliche Paarung angesichts seines Rufs als stolzer, verklemmter New Yorker und ihres als Vibey-Lieferant kalifornischer Coolness.

Doch die Reihe von Konzerten, die am Freitagabend im SoFi-Stadion von Inglewood beginnt, ist auch eine Gelegenheit, sich daran zu erinnern, dass Joels Karriere eigentlich in Los Angeles begann, wo er seinen Signature-Song „Piano Man“ über seine Erfahrungen bei der Unterhaltung der Gäste schrieb das jetzt nicht mehr existierende Executive Room in der Nähe der Ecke Wilshire Boulevard und Western Avenue.

Joel, dessen Pop-Währung nie ganz nachzulassen scheint – sehen Sie sich den TikTok-Wahn über seinem Song „Zanzibar“ aus den späten 70ern oder Olivia Rodrigos Ruf in ihrem Song „Deja Vu“ an – rief von seinem Haus in Florida aus an, wo er lebt den größten Teil des Jahres mit seiner vierten Frau, Alexis Roderick, und ihren beiden kleinen Töchtern.

Billy Joel in Los Angeles im Jahr 1984.

(Richard E. Aaron / Redferns)

Sie sind 1972 nach LA gezogen, nachdem Ihr Debütalbum nicht viel Aufsehen erregt hatte. Waren Sie aufgeregt oder zögerten, hierher zu kommen?
Ich war aufgeregt. Ich hatte nie woanders als auf Long Island gelebt, also sah ich LA als diesen großartigen romantischen Ort. Ich war sozusagen in meinem eigenen Western. Ich durfte eine Weile oben in den Hügeln von Malibu leben, und für mich war das wie in „Die glorreichen Sieben“. Dann zog ich in ein Mietshaus am Mulholland Drive in Hollywood – sehr malerisch, direkt über der Hollywood Bowl. Aber alle schienen in der gleichen Branche zu sein wie ich. Wenn ich jemanden haben wollte, der mir bei der Reparatur meiner Klempnerarbeiten half, war er nicht wirklich ein Klempner – er war ein Schauspieler. Und wenn ein Elektriker zu mir nach Hause kam, war er eigentlich ein Schriftsteller. Es muss irgendwie verwirrend sein: Macht hier wirklich irgendjemand etwas? Und das war, als New York all diese finanziellen Probleme hatte und es den Bach runtergehen würde. Da ist diese berühmte Schlagzeile: „Ford to New York: Drop Dead“. Als ich davon hörte, stand ich auf. Ich sagte, ich gehe nach Hause – das ist nicht mein Platz.

Was war Ihr Repertoire im Executive Room?
Ich hatte nicht wirklich eine Pat-Liste. Ich spielte einfach das, was mir gerade in den Sinn kam, je nachdem, was ich trank. Ich bekam kostenlose Getränke und habe mich die ganze Nacht über eingeschmiert. Es war wahrscheinlich eine Kombination aus Hoagy Carmichael, den Beatles und dem großen Pop-Hit, den es damals gab. „Ich und Mrs. Jones.“

Haben Sie Anfragen entgegengenommen?
Ich tat. Ich habe für Tipps gearbeitet. So war die Frau, die ich schließlich heiratete. Elisabeth [Weber] war Cocktailkellnerin in der Bar. Sie würde den Raum auf ihre Weise bearbeiten – die Kellnerin, die Politik praktiziert [from “Piano Man”] – und ich würde den Raum auf meine Weise bearbeiten. Wir mussten die Miete bezahlen.

Was hättest du vielleicht am Ende des Abends gespielt, wenn du zu viele gehabt hättest?
Wahrscheinlich etwas Patriotisches. „The Star-Spangled Banner“ oder „Stars and Stripes Forever“. Ich erinnere mich, dass es in der Bar einen Kampf gab, und um alle zu beruhigen, spielte ich ein patriotisches Lied, also standen alle auf, grüßten die Flagge und beendeten den Kampf. Ich war eine Sekunde lang ein Held.

Wie war deine Einstellung zu LA, nachdem du gegangen bist?
Ich war in gewisser Weise verächtlich, aber ich war auch melancholisch, als ich ging. Während ich dort war, wurde ich vom unbedeutenden Niemand zum Piano Man. Ich schaue immer noch mit einem gewissen Maß an Romantik auf meine Zeit in LA zurück, fast so, als wäre ich ein Schriftsteller im Exil, der in Paris lebt oder so.

Wie lange kennst du Stevie Nicks?
Wir haben uns vor ungefähr 10 Jahren bei einem Auftritt von Fleetwood Mac in San Francisco kennengelernt. Ich habe sie gerade hinter der Bühne kennengelernt, aber wir haben noch nie zusammengearbeitet, obwohl wir beide irgendwie zur gleichen Zeit aufgelegt haben. Also das wird mir komplett neu. Ich werde wahrscheinlich einen ihrer Songs machen und sie wahrscheinlich einen von mir.

An welches Lied von ihr denkst du?
Das liegt an ihr.

Fühlst du dich als Solo-Act jemals einsam im Vergleich zu einer Band wie Fleetwood Mac, die all diese tiefen zwischenmenschlichen Bindungen hat?
Ich habe es sehr genossen, mit Elton John zu touren. Es war, als wäre ich etwas beigetreten. Als Solokünstler ist es immer ich, ich, ich – wird irgendwie langweilig. Aber als ich mich mit Elton zusammengetan habe, durfte ich sein Material spielen, was wahnsinnig viel Spaß gemacht hat. Ich vermisse das.

Welchen Elton-Song haben Sie am liebsten gespielt?
Entweder „Don’t Let the Sun Go Down on Me“ oder „The Bitch Is Back“. Es ist cool, sich in die Inspiration eines anderen einzuarbeiten, besonders wenn man Klavier spielt. Elton hat viel Gospel in seinem Zeug – viel rhythmisches Klavier, fast wie Rhythmusgitarre. Meins ist eher klassisch. Aber es gibt nicht viele Klavierspieler, die den Leuten im Rock ‘n’ Roll bekannt sind. Randy Newmann. Bruce Hornsby. Leon Russel. Dr. Johannes. Wir hängen irgendwie in der gleichen Gruppe.

2018 sagten Sie der New York Times, Sie könnten sich nicht vorstellen, in fünf Jahren im Madison Square Garden zu spielen. Hier sind wir, und du machst immer noch den MSG-Gig sowie die Tour mit Stevie.
Ich weiss. Es ist bizarr. Am Ende jeder Tour habe ich das Gefühl, das war es für mich: „Okay, ich bin fertig.“ Und dann vergeht einige Zeit und es ist wie: „Lass uns rausgehen und spielen.“

Würdest du, wenn es soweit ist, eine große Abschiedstour wie die von Elton in Betracht ziehen?
Das wurde neulich zur Sprache gebracht. Aber ich verachte es, daraus Kapital zu schlagen: „Lass mich drohen, dass es das Ende ist, dann verdiene ich viel Geld.“ Ich habe so oft gesehen, wie Bands ihre Abschiedstourneen ankündigen und dann nie wieder weggehen. Ich habe an dieser Stelle ein paar der Who-Abschiede gesehen.

Der Tod von Christine McVie im vergangenen Jahr war eine düstere Erinnerung daran, dass viele Leute aus Ihrer Rock’n’Roll-Generation ein bestimmtes Alter erreicht haben. In den nächsten 10 Jahren—
Es wird viel Abnutzung geben. Ich hatte eine Idee für eine Tour [of mine]: Das Poster zeigt Illustrationen eines Haufens toter Insekten, und der Name der Tour lautet Dropping Like Flies. Ich sage zu meinem Agenten: „Schauen Sie, machen Sie weiter und seien Sie so grimmig, wie Sie wollen.“ Wir alle sind uns dessen bewusst.

Man fragt sich, ob Fleetwood Mac ohne Christine touren wird, wie wir Steely Dan ohne Walter Becker und die Eagles ohne Glenn Frey gesehen haben. Was hältst du von einer Bandtournee, nachdem ein wichtiges Mitglied gestorben ist?
Kommt darauf an, wer es ist. Ich würde die Eagles auch ohne Glenn besuchen, weil ihr Material so stark ist. Sie sind schon so lange zusammen, sie sind eine hart arbeitende Band.

Was hielten Sie von der Entscheidung der Rolling Stones, ohne Charlie Watts auszugehen?
Der Schlagzeuger, den sie benutzten, Steve Jordan, er ist großartig. Aber ehrlich gesagt hätte ich Charlie sehen wollen. Ich meine, als Bill Wyman ging, hatte ich irgendwie das Gefühl, dass es für die Stones war. Aber sie hören nicht auf. Ich denke, es ist eine englische Sache. Schotten haben den Ruf, mit einem Penny knapp zu sein, aber die Engländer geben ihnen einen guten Lauf für ihr Geld.

Ihr seid einer der wenigen Legacy-Acts, die noch touren, aber keine neue Musik herausbringen. Hat Ihre Erfahrung, das zu sehen, was das Publikum hören möchte – d. h. die alten Hits – bewiesen, dass Ihre Entscheidung, die Aufnahmen einzustellen, richtig war?
Nun, ich habe diese Entscheidung nicht danach getroffen, ob sie richtig oder falsch war. Es fühlte sich einfach so an, als wäre es für mich an der Zeit, mit dem Schreiben von Songs aufzuhören. Ich hatte nicht mehr die gleiche Motivation. Sie brauchen Inspiration, um gute neue Musik zu machen, und wenn Sie sie nicht haben, kümmern Sie sich nicht darum. Runter vom Laufband, um Himmels willen.

Was ist dein Barometer, um zu beurteilen, ob ein neuer Song gut oder schlecht ist?
Das kann man immer sagen. Aber es kam auch gerade an einen Punkt, an dem es für mich unerträglich wurde, zu schreiben. Die Freude daran war verflogen. Ich habe gerade ein interessantes Zitat von Hemingway gelesen. Jemand fragte ihn: „Warum fällt es mir so leicht, deine Sachen zu lesen?“ Und Hemingway sagte: „Weil es so verdammt schwer für mich war zu schreiben.“

Wenn Sie eine Setlist zusammenstellen, denken Sie jemals darüber nach, wie Ihre Songs – so etwas wie „Captain Jack“, der von „den Junkies und den Schrankköniginnen“ handelt – im aktuellen kulturellen und politischen Klima berücksichtigt werden?
Du meinst, sie sind aufgewacht? Es geht mir durch den Kopf. Aber „Captain Jack“ ist mir ziemlich langweilig geworden. Der Vers besteht nur aus zwei Akkorden, immer und immer wieder, und es ist diese trostlose Geschichte von einem Vorstadtkind, das sich zu Hause einen runterholt. Meine Gedanken beginnen während des Songs zu wandern, also mache ich es nicht, obwohl die Leute es hören wollen.

„Only the Good Die Young“ ist nach Wachstandards schwer zu verkaufen.
Kürzlich ist mir aufgefallen, dass ich versuche, eine arme, unschuldige Frau wegen meiner Lust dazu zu überreden, ihre Jungfräulichkeit zu verlieren. Es ist irgendwie ein egoistisches Lied – wie, wen kümmert es, was mit dir passiert? Was ist mit dem, was ich will? Aber andererseits war es von seiner Zeit. Das wurde Mitte der 70er geschrieben und ich habe versucht, Mädchen zu verführen. Warum Bullen – darüber?

Olivia Rodrigo und Billy Joel auf der Bühne im New Yorker Madison Square Garden am 24. August 2022.

(Kevin Mazur/Getty Images)

Sie haben während der Pandemie etwa 50 Pfund abgenommen, richtig?
Ja. Es war nicht einmal bei Bewusstsein. Ich meine, ich bin froh, dass ich das Gewicht verloren habe, weil ich dort ziemlich schwer wurde. Aber ich habe eine ganze Menge davon zurückgewonnen. Ich habe gefunden, was ich verloren hatte – oder es hat mich gefunden.

Du trinkst heutzutage?
Ich habe vor ein paar Jahren aufgehört. Es war kein großer AA-Kick. Ich war gerade an einem Punkt angelangt, an dem ich genug hatte. Ich genoss es nicht, völlig betrunken zu sein, und es verursachte wahrscheinlich mehr Probleme in meinem Leben, als ich brauchte.

Es gibt keinen Instinkt, nach einer Show etwas zu trinken?
Ich brauche es jetzt nicht. Ich kam immer von der Bühne und war so aufgewühlt und adrenalingeladen, dass ich etwas brauchte, um mich zu beruhigen, um schlafen zu gehen. Aber mir ist klar geworden, dass man nicht wirklich schläft, wenn man sich in den Schlaf trinkt. Du wirst einfach ohnmächtig.

Was machst du jetzt, wenn du von der Bühne gehst?
Ich gehe schlafen. Heutzutage braucht es meine ganze Kraft, um einen Auftritt zu überstehen, weil es harte Arbeit ist. Ich lasse alles auf der Bühne.

Wer in deinem Leben nennt dich Bill?
Jeder tut. Meine Frau nennt mich Bill, meine Freunde nennen mich Bill. Das ist mein Name. Billy ist ein kleiner Kindername: „Mrs. Joel, kann Billy rauskommen und spielen?“ So klingt es für mich. Aber das Problem mit Bill Joel ist, dass nichts dran ist. Es ist wie eine Türklingel.

Nennt dich jemand William?
Meine Frau tut das von Zeit zu Zeit, und ich weiß, dass es ein Zeichen von Ärger ist.

Was machst du an einem Tag, an dem du keinen Gig hast?
Ich warte herum, bis die Kinder von der Schule zurückkommen. Ich liebe es, mit meinen Kindern abzuhängen. Sie sind jetzt 7 und 5, und sie machen so viel Spaß und sind so interessant für mich. Ich werde ein Vater, der zu Hause bleibt. So genieße ich heute mein Leben.

Als Olivia Rodrigo letztes Jahr zu MSG kam, sagten Sie, als Sie sie vorstellten, dass Ihre Kinder ihre Musik mögen. Interessiert es dich, was sie machen?
Besonders gern. Sie mögen alle großen Künstler wie Olivia und Taylor Swift. Aber vor kurzem haben sie die Beatles entdeckt, und jetzt bitten sie uns, den Beatles-Kanal einzuschalten [on satellite radio]. Es macht so viel Spaß, diese frühen Beatles-Songs zu hören und zu sehen, wie meine Kinder darauf reagieren.

Was hältst du von Taylor Swift?
Sehr guter, gewissenhafter Autor. Sie kennt sich mit Musik aus und ist produktiv – sie arbeitet sich den Arsch ab. Sie bekommt einige Aufnahmen, nur weil sie so beliebt ist, was schwer zu handhaben sein muss. Aber ich habe großen Respekt vor ihr und anderen Künstlern derselben Altersgruppe. Sie sind auf das Handwerk des Songwritings eingestellt. Sie gehen auf die Gershwins zurück.

Letzte Sache: Sie haben kürzlich einen Brief an die Rock and Roll Hall of Fame geschrieben, in dem Sie das Nominierungskomitee auffordern, den verstorbenen Warren Zevon auf die diesjährige Wahl zu setzen. Er hat den Schnitt gemacht. Bist du stolz darauf?
Nun, er war meine erste Stimme.

Wenn er reinkommt und die Rock Hall dich fragt, würdest du die Einweisung machen?
Ich arbeite dieses Jahr, aber wenn ich zur richtigen Zeit am richtigen Ort bin, würde ich das tun.

Welchen seiner Songs würdest du aufführen, wenn du gefragt wirst?
„Anwälte, Waffen und Geld.“ Liebe diesen Song.

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It was an intimate setting for a choir, the Taube Atrium Theater in San Francisco. Rows of benches slanted on either side of the polished grand piano, which stood like grand pianos. Thirty-five choir members, all dressed in black, took their places in a solemn procession. Ian Robertson, San Francisco Chorus Master, and Fabrizio Corona, Associate Chorus Master, followed.

It was immediate and personal, but far from informal. The entire performance was sovereign in its polished performance. It was festive and bittersweet as the choir bid farewell to Ian Robertson after his 35-year tenure. This concert was full of miracles.

The concert spanned 300 years of music, from excerpts from Charpentier’s “Te Deum” and Bach’s “Wohl mir, das ich Jesum” from Cantata BWV 147 to Leonard Bernstein’s “Make Our Garden Grow” from “Candide”. It included choices in Latin, French, German, Spanish, English; Opera from Handel and Mozart to Donizetti, Verdi and Puccini; Poetry; Folk songs and much more. The moods ranged from devout to a little salty, melancholy to happy, each piece its own island of beauty and commentary, the texts projected onto a large wall that worked smoothly and effectively. Who could ask for more?

A lively leader

Ian Robertson conducted and related his attunement to the audience, the content and style of the music, and the choir members and accompanist Fabrizio Contorno created a performance narrative that remained both interesting and aesthetic. No wonder the San Francisco Opera Chorus performed so well during the years of Ian Robertson’s tenure. It was the perfect combination of leadership, music and performance.

The soloists and choir members worked in perfect harmony. Clare Demer, Sara Colburn, Whitney Steele, Andrew Truett, Mitchell Jones offered a rich and beautiful start to the concert with the “Te Deum”. Thomas and Demer have reproduced selections from “Idomeneo” and “L’Elisir d’Amore” with extraordinary finesse. Michael Jankosky delivered a touching Edgardo from “Lucia di Lammermoor”. The choir supplemented this with a moving performance of the “Humming Chorus” from Puccini’s “Madama Butterfly”, which was sung especially to commemorate the many losses caused by the pandemic.

This was followed by colorful portraits of “Noi siamo zingarelle” and “Di Madride noi siamo mattadori” from Verdi’s “La Traviata”. To highlight these, as Robertson and Contorno did, was to highlight just a few of the varied textures that a great opera like “La Traviata” contains. They remind us that it’s not just the centerpieces that make it shine. The well-known choir “Va, Pensiero” from Verdi’s “Nabucco” ended the first half.

Putting women composers in the spotlight

The second half was great with repertoire choices, especially with a number of female composers. While choirs from Offenbach’s “La Belle Helene” started, the moving chorus of “Dead Soldiers” by Jennifer Higdon, “Cold Mountain”, set the tone with haunting lyrics to Civil War dead with a men chorus. In addition to Jennifer Higdon, we heard works by Joan Szymko, Gabriela Lena Frank, Kate Rusby and Cava Menzies, whose “Invitation to Love”, based on a wonderful poem by Paul Lawrence Dunbar, premiered. Menzies, who was present, got up to bow. The music was rich and original, the lyrics moving and captivating. The future was there, unfolding, and it was right.

Among the soloists we heard Kathleen Bayler, soprano, and Phillip Pickens, tenor, in a Picante duet “Bailèro” from Canteloube’s “Songs of the Auvergne”; and Angela Moser, Silvie Jensen, Alan Cochran, Mitchell Jones, who perform Ravel’s delightful “Trois Chansons”. This was followed by Joan Szymko’s “All Works of Love” with texts by Mother Teresa, which inspired the reflective strand of the concert, which was interwoven throughout.

A wonderful contrast followed when Michael Belle sang “We’re goin ’round'” from “Treemonisha” by Scott Joplin, which made us want to hear more. The “mountain songs” of the Peruvian Andes came after that and were only sung by the women. They were complex in their rhythms and rendered breathtakingly. Elizabeth Baker, mezzo-soprano, did more than justice to Underneath the Stars, composed by Kate Rusby and arranged by Jim Clements.

Before the “Candide” finale, Matthew Shilvock, General Manager of the San Francisco Opera, gave a formal “Ave” and “Atque Vale (Hail and Farewell)” to Robertson. It was graceful and graceful, listing the 2,000 performances and over 375 productions that Robertson mastered. Shilvock also commended Robertson for creating a family of singers, each with a passion for excellence. Even the happy audience felt the authenticity.

“Make our Garden Grow”, a lyrical interpretation by the well-known American poet Richard Wilbur of Voltaire’s famous “Il faut que nous cultivar notre jardin” was the “Pièce de résistance”. Jesslynn Thomas, Chester Pidduck, Claire Kelm, William O’Neill and Wilford Kelly said goodbye to us wonderfully. This is a good reminder for today – in the world where we seek to be connected, we sometimes push boundaries.

We left the theater, enriched by this diversity of talent and imagination, and we were filled with gratitude shared by Ian Robertson and the San Francisco Chorus as we have so many seasons. Hats off to the conductor, accompanist and all the performers in the group.

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The Jolly Green Giant, Mr. Clean and the Frito Bandito lost one of their most enthusiastic supporters last month with the death of Ellen Havre Weis, a California museum founder and writer who recognized the mythology in American advertising characters.

Weis was the co-founder and director of the Museum of Modern Mythology, a once well-known tourist destination in San Francisco, where a vinyl Michelin man rubbed his elbows with a life-size statue of Colonel Sanders and a plastic figure of the monocled Mr. Peanut, among thousands of others Advertising figures could be seen.

Know with the Michelin man. Photo: San Francisco Chronicle / Hearst Newspapers / Getty Images

The museum was open to the public for an entry fee of $ 2 from 1982 until it was closed by the Loma Prieta earthquake in 1989.

Weis, who also co-founded a PR firm and worked as an advertising manager, never gave up on finding a new home for the quirky collection. Just before she died of brain cancer on July 27 at the age of 64, she and her family signed a contract for a new location for the museum’s characters, which will move to Van Nuys, California.

“We’re trying to get these advertising characters out of their normal sales context and see them as anthropology,” Weis told the Los Angeles Times in 1987. “Most of American society is exposed to these images. Certainly the Jolly Green Giant is more recognizable than Zeus – or your State Senator. “

Weis came up with the idea for the museum while living in a warehouse full of lifelike replicas of advertising mascots. Just finished writing school at the University of Iowa, Weis and her boyfriend at the time, Matthew Cohen, had moved to San Francisco to lead the “boho, hippie” lifestyle, according to Gordon Whiting, Weis’ 25-year-old husband. They crashed at a live workspace warehouse owned by friends including Jeff Errick, who was collecting promotional memorabilia.

“Ellen felt that all of these characters were related; they seemed to know each other and belong together, ”said Whiting, who added that Weis had studied mythology to learn how to use its archetypes in her writing. “That sparked their idea that the reason things work as advertising is because they’re mythological archetypes.”

Weis, Cohen, and Errick made the museum in one corner of the warehouse. Within a few years it moved to its own small room in downtown San Francisco and was celebrated in publications such as People Magazine and the New York Times through to German Spiegel.

The original gallery of the museum. Photo: Courtesy Gordon Whiting

Weis loaded characters like the Doggie Diner Head, a giant fiberglass representation of a grinning dachshund that once graced the sign of an American restaurant chain, into a trailer and took them on the streets to various shows, including a long-running one near by Fisherman’s Wharf in San Francisco.

Film critic Leonard Maltin featured the collection in his television appearances on Entertainment Tonight and became a board member of the museum.

“While Mr. Peanut and Speedy Alka-Seltzer were made up by someone on Madison Avenue, they had a life of their own like the Frankenstein monster,” Maltin told the Guardian. “Ellen took them out of their normal environment, which was a television screen, and presented them like works of art and developed a thesis that gave them a unity.”

American Express gave the museum $ 10,000 and had its Centurion character brought into the gallery. Photo: Courtesy Gordon Whiting

The last year of the museum, 1989, was heavy. First, someone stole the Doggie Diner head from an outdoor bin in San Francisco. The thing was so big and over two feet high that Whiting says he doesn’t know how anyone could have moved it over the three foot fence.

Then the museum was notified by its landlord that it had to vacate the rented space on the 9th floor of a rickety building from 1906 on Mission Street.

The final blow came on October 17th at 5:04 p.m. when the magnitude 6.9 earthquake in Loma Prieta rocked and rolled the historic building while Weis was moving boxes with figures there.

The museums The building was condemned and the founders had two hours a few days later to clear out their belongings. Weis rounded up an army of volunteers who heaved up the Jolly Green Giant, the Dutch Boy cardboard cutout of the famous color advertisement, and hundreds of boxes of everyone from cigarette mascot Joe Camel to Rice Krispies characters Snap, Crackle and Pop.

In the decades that followed, the figures waited in the warehouse while Weis looked for a new home for the museum. In the meantime, Weis founded WeisPR with her husband Whiting, raised their son Benjamin and eventually became advertising director for Bay Nature Magazine. Along the way, the longtime East Bay resident co-authored Berkeley: the Life and Spirit of a Remarkable Town and wrote fiction as a member of the Squaw Valley Community of Writers.

Big Boy and Charlie Tuna come out of the camp. Photo: Courtesy Gordon Whiting

In various places she was on the verge of obtaining permission to move the collection to the Smithsonian and Henry Ford Museum. But it wasn’t until she was diagnosed with a brain tumor in January that the path for the museum collection was clear. Ten days before her death at home in Altadena, California, her family received confirmation that the collection would soon be on display at the Valley Relics Museum in Van Nuys, Los Angeles.

“It will be running again,” said Whiting, who worked with Benjamin, now 20, to finalize collection plans while tending to Weis as her illness progressed this spring. “She was well enough to know about it and she was satisfied.”

Maltin said he was thrilled to know that Weis’ dream of bringing characters like Tony the Tiger, Mr. Bubbles, and their friends back together in public, was about to come true.

“I’m a 20th century pop culture kid, so I grew up with a lot of these characters,” he said. “But Ellen was the first person I ever met who – for lack of a better word – took her seriously.”

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